Le Parole degli Anime: Hikikomori

Circa un anno fa, sulle pagine di questo stesso blog, ho cominciato ad affrontare un lungo viaggio dentro il mondo affascinante, visionario e pieno di emozioni dell’Animazione Giapponese e l’ho fatto nel modo che allora pensavo fosse il più corretto ovvero con un post che in qualche modo fissava dei punti di riferimento storici per l’evoluzione di quella forma espressiva.

Il complesso personaggio di Makima e la sua ambivalenza come cacciatrice di demoni per conto di uno speciale corpo di forze governative ed il suo rapporto con il mondo diabolico, in particolare con il Control Devil (Shihai no Akuma), entità ultraterrena che incarna la paura del controllo o della conquista, nello scioccante mondo costruito narrativamente dentro l’eccellente manga Chainsaw Man (Chensō Man, letteralmente tradotto con “Uomo motosega“), scritto e disegnato da Tatsuki Fujimoto nel 2020 ed oggetto nel 2022 di un inaspettatamente impeccabile adattamento animato nella serie televisiva curata dallo studio Mappa (uno dei più gettonati e richiesti sul mercato): sia il manga ipercinetico ed ultra-violento, sia il coloratissimo e spiazzante anime sono entrambi l’ennesima dimostrazione della pazzesca vitalità di un universo espressivo davvero stupefacente quale è quello dei fumetti e dei cartoni animati nipponici.

Non ho parlato a caso di viaggio, perché il mondo degli anime (abbreviazione di “animēshon”, traslitterazione giapponese della parola inglese “animation”) è costituito da opere cinematografiche e televisive difficilmente apprezzabili senza un minimo di preparazione o per lo meno di predisposizione d’animo ad accogliere molte informazioni per noi occidentali particolarmente nuove e distanti, sbrigativamente definibili come esotiche, perché intrise di una fortissima quotidianità, che però noi non riusciamo spesso a riconoscere perché declinata con i valori sociali e le consuetudini di un popolo che ha vissuto isolato dall’occidente per tanti secoli e che anche quando si è aperto al resto del mondo, cambiando profondamente alcune parti di sé ed accogliendo abitudini e valori fino ad allora assolutamente estranei, lo ha fatto comunque mantenendo ugualmente salda una sua fortissima identità.

Nel manga del 1994 e negli anime (nonché nei vari film live action da esso successivamente tratti) di Kenshin Samurai vagabondo – Rurōni Kenshin: Meiji kenkaku romantan (letteralmente “Kenshin il vagabondo: Storia d’amore dello spadaccino del periodo Meiji”), l’autore Nobuhiro Watsuki racconta la storia di Battōsai Himura, un formidabile spadaccino che aveva svolto il ruolo di spietato assassino durante la terribile guerra civile Boshin: per la sua opera, Watsuki si è ispirato, con molte libertà romantiche ed action, alla reale figura storica di Kawakami Gensai, uno dei quattro hitokiri ovvero i samurai rivoluzionari che si opposero allo Shogunato Tokugawa, la cui caduta nel 1868 segnò il passaggio definitivo dal sistema di governo del Giappone feudale a quello moderno dell’epoca Meiji; a seguito di tale transizione, ai samurai furono tolti titoli ed armi e con esse il diritto di uccidere, tradendo anche però il loro legame al proprio codice d’onore; nel 2003, gli statunitensi raccontarono una storia simile con l’ottimo The Last Samurai (USA, JAP, NZL, 2003), diretto da Edward Zwick e tratto dall’omonimo romanzo scritto da John Logan (che ha collaborato anche alla sceneggiatura in compagnia dello stesso regista e di Marshall Herskovitz), esempio perfetto di quel processo di occidentalizzazione traumatica, imposto nella seconda metà dell’800 dal governo centrale a tutto il popolo, compresi appunto i samurai.

Tutto questo lo avevo solo accennato in quel primo post dal titolo Road to Evangelion: il punto di svolta che cambiò il mondo dell’Animazione Giapponese, ma adesso che stiamo per proseguire il nostro viaggio (mio e di coloro che vorranno seguirmi), dobbiamo necessariamente allargare la nostra visione alla società giapponese nel suo complesso, per cercare di cogliere tutta la bellezza nascosta dietro fatti e situazioni per noi assolutamente estranei e cercheremo di farlo usando delle parole guida, simboleggianti concetti o fenomeni che avranno nei film e nei serial televisivi animati una loro esemplificazione: per quanto, infatti, in ognuno di noi ci sia la tendenza a semplificare il più possibile i significati delle cose che ci circondano per poterle comprenderle, ci accorgiamo ogni volta come tutto sia quasi sempre molto più complesso di come avremmo voluto e questo perché sia la struttura della natura, sia quella dei costrutti umani è piena di tantissime sfaccettature, con piccole e grosse differenze anche in ciò che da lontano sembra simile e che si rivelano solo avvicinandosi ad esse; un processo simile accade anche quando facciamo lo sforzo di mutare il nostro punto di osservazione, ad esempio quando viaggiamo all’estero, toccando con mano i diversi usi e costumi della vita di tutti i giorni di altre popolazioni, dai semplici gesti con cui si saluta, fino al modo e la scelta con cui i negozianti espongono i prodotti nei supermercati o persino il tipo di bibite vendute nei distributori automatici.

Nello straordinario lungometraggio animato cinematografico Penguin Highway – Pengin Haiwei (JAP, 2018), diretto da Hiroyasu Ishida e sceneggiato da Makoto Ueda (dall’omonimo libro per ragazzi di Tomihiko Morimi), le stupende animazioni e l’accuratissimo character design di Yojiro Arai conducono lo spettatore in una storia dalla sfrenatissima fantasia pseudo-fantascientifica, ma raccontata in scenari, personaggi e situazioni intrisi di una quotidianità minimalista molto attenta, a partire dalle anomalie di un distributore di bibite rivelatore degli strani poteri di un gruppo di pinguini apparsi un bel giorno praticamente dal nulla.

Anche solo restando nel nostro paese e parlando con chi da noi si occupa di preparare alimenti italiani da vendere all’estero, si possono scoprire molte cose a noi prima ignote, come il necessario punto di dolcezza di un gelato o di un dolce confezionato che deve essere abbassato fortemente quando si vuole fare esportazione nei mercati asiatici ed in particolare in quello giapponese, costruito per gestire un consumismo alimentare sfrenato di prodotti confezionati e precotti (tale a causa del poco tempo libero lasciato dai ritmi di lavoro e di studio incalzanti), ma dove sono abituati ad usare molti meno zuccheri in tutte le loro preparazioni, oltretutto lavorate molto più spesso di noi con liquidi naturalmente senza lattosio, come il latte di soia o simili.

All’interno del lungometraggio cinematografico Weathering with You – Tenki no ko (JAP, 2019), penultimo capolavoro dell’indiscusso maestro del cinema animato nipponico Makoto Shinkai (ogni suo nuovo lavoro è un vero evento per ogni appassionato o semplice amante della bellezza), c’è una lunga sequenza piena di colori e fondali meravigliosi, nella quale viene descritto un trio di speciali adolescenti che, durante la loro fuga disperata e piena di avventure rocambolesche dalle famiglie e dalla polizia, si rifugia in un albergo, dove riusciranno finalmente a consumare un vero pasto usando solo confezioni di pasta a cottura istantanea (Noodle, Udon, Shirataki, Soba, Somen, e Yakisoba) in vari condimenti (di carne e verdure), nonché snacks di ogni tipo, tutto in vendita nei distributori automatici dell’albergo: mentre fuori gli inseguitori cercano quei ragazzi dappertutto, circondati da una pioggia torrenziale che da svariati giorni sta allagando Tokyo, quel pranzo consumato in camera, seduti sul letto, malgrado fosse costituito solo da prodotti industriali, lontano quindi dal gusto delle preparazioni domestiche, sarà per loro un magico banchetto che li sazierà non solo nello stomaco.

La parola che esamineremo questa volta, come primo vocabolo-guida per il nostro viaggio nel mondo degli anime giapponesi, sarà Hikikomori, sul cui significato lascio subito la parola alla brava e simpatica Sayaka, insegnante di lingua nipponica in Italia, di estrazione italo-giapponese o come lei ama definirsi “nipporomana”, gradevolissima creatrice di contenuti sui vari social network, tra i quali soprattutto Instagram, TikTok e YouTube Shorts, dal cui profilo ho linkato questo brevissimo video:

Anche gli psicologi e gli psichiatri italiani, all’interno dei servizi di Neuropsichiatria Infantile del nostro territorio per lo più settentrionale, stanno già da svariati anni analizzando anche per il nostro paese questo particolare disturbo, sul quale a tutt’oggi, malgrado i primi studi risalgano già alla fine degli anni ’90, esiste una letteratura scientifica abbastanza scarsa ed anche una certa disattenzione da parte dei media e dei ministeri della sanità dei vari paesi occidentali e questo probabilmente a causa della difficoltà nel riconoscerne i sintomi nel primo livello di attenzione ovvero la famiglia: tra le cause dell’insorgenza di tale disturbo (presente nella stragrande maggioranza dei casi in maschi tra i 14 ed i 30 anni, di estrazione sociale medio-alta, figli unici con genitori entrambi laureati ed in cui in particolare il padre è spesso assente per motivi di lavoro), oltre a fenomeni di bullismo scolastico grave, sembra ci sia quella forma esasperata di stile genitoriale protettivo che in Giappone viene indicato non a caso dalla parola “amae” (dipendenza), in questo caso intesa nello specifico rapporto madre-bambino, ma che per i giapponesi assume una speciale valenza se combinato con alcune delle caratteristiche comportamentali insite nella mentalità nipponica come l’enrjo (riservatezza), il giri (dovere sociale), lo tsumi (peccato) e l’haji (vergogna).

Senza nulla togliere alla valenza poetica della citazione riportata da Sayaka nel suo video e presente nel lungometraggio animato miyazakiano de La città incantata – Sen to Chihiro no kamikakushi (JAP, 2001), capolavoro imperdibile per tantissimi altri motivi di natura estetica e narrativa, la serie animata nipponica che però meglio tratta la realtà del fenomeno degli Hikikomori, davvero troppo diffuso tra gli adolescenti giapponesi, è senza dubbio la giustamente celebratissima Welcome to the NHK – NHK En Eichi Kei ni yōkoso! (JAP, 2006, 24 Episodi), prodotta dallo studio Gonzo per la regia di Yūsuke Yamamoto, dove la narrazione delle vicende di un ragazzo tipico esemplare di hikikomori si sviluppa nell’esibizione puntuale di tutta una serie di dinamiche legate al disagio sociale e anche ad altre forme di dipendenze, mostrando in modo miracolosamente non noioso ed anzi accattivante temi particolarmente scomodi per il grande pubblico come la depressione.

Siamo arrivati di fronte ad una delle più grandi differenze esistenti nella costruzione di uno storytelling occidentale ed uno giapponese: prima ancora di continuare con gli anime, va infatti specificato che nelle sceneggiature di tutte le opere cinematografiche e televisive nipponiche (sia live action, che di animazione e persino nei videogames) è infatti lo stesso pubblico a pretendere che l’eroe della storia sappia mettere equilibrio tra giri (il senso del dovere) e ninjo (la risposta emozionale personale) e che quando honne (il nostro vero desiderio) e tatemae (il comportamento da tenere in pubblico e che gli altri si aspettano da noi) confliggono, egli sappia prendere la giusta decisione, perché se il vero mestiere dell’eroe, in Oriente come in Occidente, è sempre quello di fare la cosa giusta, per noi occidentali quella capacità si declina attraverso lo sprezzo del pericolo e l’audacia di fare ciò che nessuno osa fare, mentre per il pubblico nipponico significa saper compiere il proprio dovere, a tutti i costi, anche aldilà della morte stessa.

Perfetta esemplificazione di questi conflitti è la carismatica pellicola di Akira Kurosawa Anatomia di un rapimento (JAP, 1964), che in originale si intitola in modo più calzante Tengoku to jigoku (tradotto letteralmente significherebbe all’incirca Il Paradiso e l’Inferno), in cui si racconta una storia noir a fortissime tinte drammatiche dove il protagonista, un ricco imprenditore, che vive con la sua famiglia benestante nella parte alta della città, come un principe sotto agli occhi di tutti, sarà chiamato da un destino beffardo a prendere terribili decisioni riguardanti la vita del proprio figlio rapito da un malvivente, il destino della sua fabbrica di calzature (minacciata da soci fraudolenti) ed il senso del dovere sociale di fare la cosa giusta anche a scapito di ciò che il suo cuore vorrebbe

Tornando adesso al fenomeno degli Hikikomori, senza dilungarmi sugli aspetti medico-sanitari e sulle terapie indicate per tale disturbo del comportamento, è molto più interessante per il nostro viaggio nel mondo degli anime la constatazione che tale fenomeno sia stato trattato moltissimo nei manga, dato che la lettura e la fruizione degli stessi sono chiaramente una delle attività prevalenti dei ragazzi che di fatto vivono la loro esistenza come dei reclusi nella loro camera, costantemente attaccati al computer, alle consolle di videogames o a leggere praticamente di tutto, consumando persino i loro pasti nella loro stanza: tra le caratteristiche dei manga e quindi di conseguenza degli anime, c’è infatti uno strettissimo legame con la quotidianità della vita dei suoi fruitori, come ottimamente spiegato, in una delle sue clip di Lezioni di Fumetto apparse sui vari social, dal celeberrimo fumettista e sceneggiatore italiano Igort (al secolo Igor Tuveri, classe 1958), tra i maggiori esponenti della rivoluzione fumettistica italiana portata negli anni ’80 dagli autori di Alter Linus, Alter Alter, Frigidaire ed il gruppo Valvoline, artista e divulgatore a tutto tondo, con importantissime collaborazioni in Italia ed in Giappone (dove le sue opere sono pubblicate da Kodansha) ed autore recentemente dei volumi Quaderni Giapponesi (serie di graphic novel da lui interamente scritte e disegnate).

Proprio per questo legame fortissimo con la quotidianità, troviamo quindi gli Hikikomori come protagonisti di tantissimi anime, dei generi più diversi, dove la presenza di personaggi descritti con tale disturbo del comportamento non è nemmeno l’aspetto saliente della storia, ma solo una caratteristica che li definisce e che persino, all’interno della trama, viene talvolta usato come espediente narrativo per la risoluzione di un conflitto o un problema; in questo senso, probabilmente il caso più spettacolare di utilizzo di un Hikikomori come elemento vincente è quello presente in un altro vero gioiello del cinema d’animazione giapponese ovvero Summer Wars – Samā Wōzu (JAP, 2009), dove il brillantissimo regista Mamoru Hosoda (uno dei nomi di riferimento di questo genere espressivo, la cui firma è presente in vere pietre miliari, tra le quali è davvero impossibile non ricordare l’imperdibile La ragazza che saltava nel tempo – Toki wo kakeru shōjo, di cui avrò certamente modo di parlare in futuro) e lo sceneggiatore Satoko Okudera, usano gli splendidi disegni del maestro Yoshiyuki Sadamoto (per idolatrare il quale, sarebbe bastante il suo lavoro sui character della serie culto di Neon Genesis Evangelion – Shin seiki Evangerion) e l’animazione del pluripremiato studio Madhouse (a cui si devono persino le sequenze animate dentro Kill Bill Capitolo 1 di Tarantino) per trasportare lo spettatore nella pazzesca evoluzione di una storia che parte da un raduno familiare in campagna, per festeggiare il compleanno di una bisnonna, fino alle avventure di un giovane mago della matematica che da quella quotidianità rurale, fatta di piccole cose ed importanti sentimenti, viene catapultato in uno scontro fantascientifico con un’intelligenza artificiale che rischia di sconvolgere il mondo.

Oltre alla accurata descrizione del reale funzionamento delle attuali reti informatiche, sia dei PC che degli smartphone (senza quella fastidiosa approssimazione tendente solo all’enfatizzazione spesso presente negli action fantascientifici occidentali), il film di Hosoda ha il pregio di presentare l’indimenticabile personaggio di King Kazma, avatar dalle potenzialità di leggendario combattente virtuale usato dal cugino tredicenne del protagonista (un hikikomori campione di videogame), dentro l’universo cibernetico dell’immaginario gioco online per computer di Oz: sarà proprio grazie alla descrizione di questo profilo di gioco che la storia del film viaggerà sul doppio binario della realtà offline e di quella virtuale online, permettendo all’animazione di costruire due differenti mondi visivi che si intrecceranno tra loro in continuazione e con esiti sorprendenti

Questo è tutto per oggi: grazie alla parola-guida scelta per questo post, abbiamo iniziato un viaggio dentro l’affatto scontato mondo dei manga e degli anime giapponesi, incontrando non solo il fenomeno adolescenziale degli Hikikomori, ma anche la forte presenza della quotidianità in queste forme espressive e non ultimo dei diversi modi che la società nipponica del ieri e dell’oggi affronta temi come il dovere sociale ed il senso di giustizia degli eroi delle proprie storie.

Arrivederci quindi alla prossima puntata ed alla prossima parola-guida!